15 Jul JIMBO PHILLIPS: SKATE, ARTE Y ROCK N’ROLL

Texto y entrevista por David Moreu (www.davidmoreu.com) / @davidmoreu

Puede que los tiempos hayan cambiado y que el arte ya no sea la herramienta reivindicativa que estaba predestinada a cambiar el mundo hace décadas, pero actualmente todavía hay algunos artistas que han logrado crear un universo visual propio y unir a gente de distintas generaciones con su obra.

Este es el caso de Jimbo Phillips, uno de los ilustradores más respetados de la escena del surf y del skate norteamericana que aprendió los secretos de esta profesión tan bohemia de su padre, el legendario dibujante Jim Phillips.

En su extenso currículum encontramos pósteres de conciertos para bandas de punk californianas, colaboraciones en videojuegos protagonizados por Tony Hawk y diseños muy emblemáticos para la marca Volcom.

La entrevista tuvo lugar a principios de mayo de 2011 en una galería de arte de Barcelona, aprovechando que cruzó el charco para presentar una exposición itinerante de sus últimas creaciones.

Bienvenidos a esta historia repleta de colores brillantes, olas gigantes y tablas de skate surrealistas a ritmo de punk.

Empecemos por el principio de esta aventura personal y artística. ¿Cómo fueron tus inicios en el mundo del skate y del surf?

JP: Empecé a patinar cuando tenía cinco o seis años y me lancé a practicar surf a los diez. Así que he estado vinculado a esta cultura toda mi vida. Además, mi padre trabajaba para una marca de skate y, por este motivo, siempre tenía skates, tablas fiberflex y cosas de esas. ¡Y, hoy en día, sigo practicándolo!

Supongo que el hecho de haber nacido en una ciudad como Santa Cruz ya incita a lanzarse a las olas y a coger una tabla de skate.

JP: El surf y el skate están estrechamente unidos a la cultura de esta ciudad. La mayoría de chavales que viven allí practican una cosa o la otra, sino las dos. Y el snowboard también está muy relacionado con toda esa cultura. Sin olvidar la importancia que tiene la escena musical local. Tengo muchos amigos que tocan en bandas, incluso yo tocaba en un grupo hace mucho tiempo. En este sentido, la música, el surf, el skate, el snow y el arte están muy unidos y siempre transmiten buenas vibraciones.

Cuando decidiste que querías convertirte en artista, ¿contaste con el apoyo de tu padre?

JP: Cuando era pequeño ya dibujaba, pero mi padre siempre me decía: “Es un trabajo muy complicado, deberías ser abogado o cualquier otra cosa”. Pero supongo que esas profesiones no estaban hechas para mí porque entonces ya patinaba y practicaba surf. Además, me gustaba mucho lo que hacía mi padre. Siempre intentaba imitar sus ilustraciones y, cuando cumplí dieciocho años, me surgió la oportunidad de trabajar para él como aprendiz. Así fue como descubrí las reglas del negocio. Trabajamos juntos durante dos años hasta que decidí establecerme por mi cuenta y, desde entonces, este ha sido mi camino.

Cuando empezaste a trabajar por tu cuenta, también te adentraste en la industria musical. ¿Fue una decisión premeditada o improvisaste sobre la marcha?

JP: Fue un poco de ambas maneras. Siempre me había fascinado la música, ya fuera el rock, el metal o el punk, y realmente quería hacer diseños para bandas que me gustaran. Así que empecé a colaborar con grupos locales que necesitaban pósteres para anunciar sus conciertos. Puede que se tratara de shows pequeños, pero hacía los pósteres en serigrafía para celebrar cada evento y que la gente los comprara en el puesto de merchandising.

Recuerdo que di el salto a bandas más importantes cuando empecé a colaborar en los conciertos de Bill Graham Presents. El mundo de los pósteres de rock me encanta. En ciertos aspectos es muy parecido al diseño de gráficos para tablas de skate porque es muy libre, no tiene normas, puede ser muy radical y siempre puedes volcar en ellos tus inquietudes más creativas.

¿Podrías explicarnos en qué consiste la magia de los pósteres de conciertos?

JP: Es una cosa que puedes colgar en la pared. Puedes mirarlos, tocarlos y sentirlos. La promoción y la publicidad de conciertos en Internet no son igual de efectivas porque te permiten ver las imágenes, pero nunca puedes tocarlas. Lo mismo sucede con el acceso a la música que vivimos actualmente. La gente baja canciones y las escucha el ordenador, pero no tiene nada tangible en sus manos. Siempre me ha gustado tener el álbum original, sacar el vinilo, poder apreciar las fotos y el diseño…

¿Cuáles son tus preferencias musicales?

JP: Por la mañana, cuando me levanto, siempre escucho música tranquila y acústica o también un poco de reggae. Más tarde, hacia la hora de comer, necesito ponerme las pilas y escucho algo de punk, metal o rock & roll.

Me gustan estilos musicales muy variados, pero siempre acabo volviendo a mis raíces, a cuando era un chaval. En este caso, las elecciones están muy claras: Iron Maiden, Black Sabbath, Pennywise y Bad Religion. Esa música pone en marcha los engranajes de mi cabeza y me incita a dibujar cosas.                                                                        

¿Crees que la rebeldía es una buena manera para que los artistas puedan crear cosas originales?

JP: Eso es completamente cierto. Por lo que se refiere a mis obras, siempre intento romper las normas, ser transgresor y llamar la atención de la gente. Ten en cuenta que no siempre hay que ofrecer imágenes bonitas. A veces las obras pueden funcionar con dibujos cuidados y elegantes, pero también intento incorporar elementos más radicales, cosas que sean estridentes y que te sacudan al contemplarlas. A veces puede ser, simplemente, el color. Otras veces es la imagen que dibujas.

El surf, el skate y la música son tres industrias muy distintas entre sí. ¿Cómo afrontas los diseños para cada una de ellas?

JP: En ciertas cosas se parecen y en otras son completamente distintas. Cada marca tiene ideas muy concretas de lo que quiere y de cómo quiere que las representes a nivel gráfico. Asimismo, cada banda practica un estilo de música distinto y es importante pensar qué imagen te generan sus canciones antes de ponerte a dibujar.

Sin duda, las bandas son las más complicadas a la hora de trabajar porque tienen varios miembros y, a veces, te encuentras con cuatro personas hablando al mismo tiempo y diciendo cosas como: “Me gusta eso, quiero aquello, no me interesa lo de más allá”. Siempre tienes que tener en cuenta lo que te dicen, condensarlo en una imagen bonita y, con un poco de suerte, podrás crear algo que guste a todos los miembros.

En la industria del skate acostumbra a haber un skater que está patrocinado y puede decirte cosas tan raras como: “Me gusta el chocolate”. Así que debes hacer los gráficos de sus tablas con barritas de chocolate para que reflejen su personalidad. Aunque a veces los skaters no tienen ideas y debes apañarte como puedas para crear su imagen.

¿Es importante conocer a las bandas y a los skaters antes de hacer las ilustraciones?

JP: La mayoría de veces sí que es necesario y eso te ayuda mucho a la hora de iniciar el proceso creativo. Pero si no puedes conocerlos personalmente porque están de gira en otra parte del mundo, entonces puedes conseguir una copia de su último disco o buscar vídeos del skater en cuestión, simplemente para tener una idea de qué hacen y cómo son.

¿Crees que el surf y el skate se han desvirtuado al convertirse en una moda tan extendida?

JP: Es cierto que se han convertido en una práctica muy aceptada a nivel social, incluso las grandes empresas y marcas quieren relacionarse con estas culturas porque tanto el surf como el skate están en el centro de los deportes de acción.

Hoy no es extraño que una marca de coches o una multinacional discográfica quieran parecer más underground y decidan vincularse con el mundo del skate o del surf porque saben que los jóvenes los respetan mucho y los adoran. Creen que, si la gente los relaciona con esas culturas o con la música hardcore, tendrán más aceptación y vendrán más.

Al mismo tiempo, las grandes marcas están volviendo al “old school”.

JP: ¡Exacto! Hoy en día hay demasiados logos hechos con ordenador y demasiados gráficos en 3D. La gente quiere ver las ilustraciones hechas a mano, las líneas gruesas del rotulador y disfrutar del viejo estilo de crear imágenes. Yo siempre intento permanecer fiel a esa idea de arte.

También aportaste tu creatividad a un exitoso videojuego de Tony Hawk. ¿Cómo fue esa experiencia y cómo te involucraste en el proyecto?

JP: El juego está hecho con los gráficos 3D habituales de esos videojuegos, pero hay un momento que el protagonista coge una revista de skate, la abre y las imágenes empiezan a salir de las páginas. Es impresionante cómo se han incorporado mis ilustraciones en la historia del videojuego.

Curiosamente, me involucré en este proyecto porque me contactó la empresa que los produce y no conocí a Tony Hawk en persona hasta que todo hubo terminado. Fue muy emocionante conocerlo, estrechar su mano y participar en un proyecto tan divertido.

Cada artista tiene una forma distinta de trabajar y de planificar sus obras. ¿Cómo es tu proceso habitual de ilustración?

JP: Normalmente empiezo con lápiz y papel para dejar fluir las ideas y hacer la composición general. Una vez tengo el trazo hecho a lápiz y me gusta lo que veo, cojo otra hoja de papel, la pongo encima de la ilustración y calco los trazos con un pincel o un rotulador negro para conseguir su forma real. Después lo escaneo y pongo los colores con el ordenador, dejándolo todo listo para hacer el tránsfer a las tablas de skate.

De vez en cuando también hago pinturas en acrílico y estas siempre son más dispersas porque no tienen que basarse en un diseño perfecto para reproducirlo en ninguna parte. En este aspecto, el acrílico es una técnica que me ofrece más libertad creativa. Aunque una cosa está muy clara: siempre quiero utilizar muchos colores y, si puede ser, que sean muy brillantes.

¿Existe alguna manera de encontrar la inspiración o es un mito que habéis difundido los artistas?

JP: La inspiración aparece cuando practico skate o escucho música. También la encuentro en la ciencia ficción, en las películas de monstruos que veía cuando era pequeño, en mi colección de cómics y en la revista Mad Magazine. Me gusta incorporar un poco de humor y algunos chistes en mis ilustraciones, aunque sea en un lateral y de manera poco destacada. Encuentro la inspiración en las cosas que me gustaban cuando era un crío, así que ahora tengo la oportunidad de representarlas y que le gusten a la gente. ¡Es una buena manera de cerrar el círculo!

Rick Griffin y John Van Hamersveld fueron los pioneros del arte vinculado al surf y al rock en los años 60. ¿Han representado algún tipo de influencia en tu carrera?

JP: ¡Por supuesto! Ellos fueron los auténticos pioneros del movimiento del surf y del skate. Además, las creaciones de Rick Griffin han sido una gran fuente de inspiración para mí. Siempre me ha fascinado su manera de dibujar las figuras y creo que logró capturar un momento histórico muy especial con su arte. Eso es algo que aún se vive hoy en día.

¿Te sientes vinculado a los ideales del arte urbano?

JP: Creo que tiene muchos elementos similares a lo que yo hago habitualmente porque esos artistas trabajan fuera del universo comercial. Lo que más me gusta del arte urbano es que, simplemente, se lanzan a las calles a crear sus obras en gran formato. No hay normas establecidas. Cada uno crea su propio mundo, sus propias reglas y eso es lo que yo intento hacer también con mi arte. Conseguir que se convierta en un universo propio.

Cuéntanos en qué han consistido las dos exposiciones que has protagonizado en Europa. ¿Has tenido tiempo de perderte por las ciudades?

JP: Diseñé una colección de ropa para Volcom, ya sabes, camisetas, bermudas, cinturones, monederos, chanclas, toallas… y decidieron traerme a Europa, concretamente a Burdeos y a Barcelona, para inaugurar estas dos exposiciones.

Se trata de promocionar la marca, pero también de difundir mi obra fuera de Estados Unidos. A la gente le está gustando mucho y a mí me encanta que les guste tanto. Esta mañana he ido a ver la Sagrada Familia y es espectacular, creo que me ha inspirado para crear algo. Las catedrales siempre son muy precisas y tienen las líneas muy marcadas, pero el estilo de Gaudí es mucho más orgánico. ¡Me ha gustado mucho!

Para terminar la entrevista, ¿Qué proyectos tienes para los próximos meses?

JP: Si todo va bien, el año próximo editaré un libro que recopilará toda mi carrera artística. He empezado a trabajar en él y será una retrospectiva de todo lo que he hecho hasta la fecha, aunque puede que incluya un par de cosas nuevas. Es curioso porque, cuando veo las ilustraciones del principio, pienso que entonces era muy joven y ahora lo haría completamente distinto. Pero, al mismo tiempo, resulta fascinante ver la evolución y apreciar cómo el arte ha ido mejorando.

Imágenes cedidas por Jimbo Phillips

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